LA MÚSICA DE CINE VISTA DESDE CASA

FICHA DEL CONCIERTO

Joven Orquesta de Bandas Sonoras. Antonio Lajara, director. Hamster Vocal Ensemble. Bandas sonoras de la factoría Disney. Domingo 31 de enero. XXVI Ciclo de Introducción a la Música.

Es innegable que la música de cine vive un auténtio idilio con el público y que es un género que ha venido para quedarse. Así mismo es innegable que se trata de un género a incorporar cuando hablamos de la llamada música clásica o académica y eso lo podemos argumentar: Estamos hablando de una música que utiliza los recursos instrumentales basados en la orquesta sinfónica, dentro de una estricta escritura tonal y que está escrita para acompañar y redondear un producto visual de ficción como son no solo ya las películas sino también las series e incluso los videojuegos. Hemos hablado aquí, (y pronto tocará volver a hablar de ello) de lo que significa la música incidental y la música de cine es la música incidental desde hace cerca de un siglo y cuyos grandes primeros maestros fueron compositores venidos del este aunque la gran meca de la música de cine está obviamente en torno a Los Angeles.

Dado ese interés son muchos los conciertos de música de cine que se van dando y la mayoría en una ciudad como Zaragoa vienen de la mano de orquestas “de gira”, es decir de proyectos orquestales de mayor o menor calidad que se juntan para una gira y que viven del buen momento de la música de cine que se traslada a los resultados en taquilla; eso está muy bien y a veces tiene resultados musicales apreciables pero corre un riesgo que creo que hoy es ya evidente: la repetición hasta la saciedad de algunas bandas sonoras entre las más famosas dejando fuera del repertorio mucha música de cine y series no sólo clásica sino incluso actual que merece estar en los programas. Contra ello, el concierto que comentamos es exactamente un estupendo antídoto: una orquesta local que presenta uno o dos proyectos al año gestados en nuestra tierra y que cada año se esfuerza por presentar repertorio nuevo a un público cada vez mas fiel: eso es la JOBS, Joven Orquesta de bandas sonoras que añade un valor de altísima importancia: esta formada por músicos muy jóvenes de nuestra tierra, provenientes en muchos casos de los conservatorios de grado medio, que trabajan durante meses para armar el programa que veremos. El valor del proyecto viendo esto se multiplica ya que aparte de ofrecer un producto trabajado y variado al público ofrecer a estos intérpretes tan jóvenes la posibilidad de integrarse en un proyecto orquestal y de tocar en el Auditorio, el lugar donde ojala puedan tocar muchas veces y muchos de ellos ya como profesionales. Bravo pues por el proyecto de la JOBS y por el trabajo que llevan haciendo desde 2008.

EL MÁGICO MUNDO DE LOS DIBUJOS ANIMADOS

Si hemos hablado de la importancia de la música en el cine en general no podemos por menos que destacar que en lo que es el campo de los filmes animados la importancia se multiplica ya que la música contribuye de manera completamente eficaz a generar un completo discurso de ficción que sobre todo nos acerca a la fantasía. Este concepto hay una productora que lo ha usado y que lo domina como pocas que no es otra sino la fundada por el mítico Walt Disney.

La música en el cine animado dada su centralidad tiene sus propias características: en primer lugar, estas películas suelen necesitar mucha más música que los filmes de acción real, y además queda mucho más expuesta en primer plano sonoro. Por otra parte, su objetivo es “humanizar” aquello que no es humano (si los personajes de animación representan seres humanos,  es evidente, pero también pasa lo mismo con los animales o incluso con objetos de otro tipo), y compensar la parquedad en expresiones y movimientos que inevitablemente tienen los dibujos en comparación con seres de carne y hueso. En definitiva, hacer que la música aporte mucho movimiento y dinamismo a personajes y escenas y esa no es una tarea pequeña

Walt Disney, como hemos dicho figura clave en estas músicas, en su momento, tomó una determinación que marcaría durante décadas el modo de aplicar la música en los dibujos animados: en un viaje por Europa, observó la repercusión de sus películas en los países de habla no inglesa, llegando a la conclusión de que, cuanto más musical fuera un filme y, por tanto, con menos diálogo, más asequible resultaba a los niños. De vuelta a Estados Unidos exigió que las escenas de sus películas se explicaran por sí mismas o por la música, sin que los personajes tuvieran que hablar excesivamente. De este modo, las músicas deberían ser claras y sencillas, para ser bien asimiladas. La fórmula (el llamado “método Disney”) funcionó muy bien pero tuvo una contrapartida: la absoluta despersonalización de sus compositores. Tanto es así que los magníficos autores que trabajaron en Disney hasta bien entrada la década de los ochenta (Leigh Harline, Frank Churchill, Oliver Wallace, George Bruns y un largo etcétera) escribieron estupendas bandas sonoras en las que, sin embargo, no había rasgo alguno de impronta personal, de estilo propio. Estos compositores, cuando trabajaron en otros géneros, sí pudieron poner clara y reconocible su propia personalidad y estilo.

Esto en la Disney, porque tanto en MGM (con Scott Bradley y sus cortos de Tom y Jerry) como en Warner (con el legendario Carl Stalling en sus más de 250 cortos de Bugs Bunny, Porky y compañía) sí pudieron hacerlo: Stalling es, además, el “inventor” del “mickeymousing”, una técnica que aplicó en sus inicios, a las órdenes de Disney, y que consistía en que la música acentuase de modo muy preciso pasos, golpes, etc. Pero eran cortometrajes, no largos.

No es hasta los ochenta que aparece en la Disney el primer compositor que sí crea un sello de identidad ampliamente reconocido: Alan Menken, protagonista de casi toda la primera parte de nuestro concierto, que además de mantener en el cine de animación los elementos clásicos aporta un sentido espectacular  que, simplificando un poco, consiste en llevar al género el espíritu de los musicales de Broadway, en los que él comenzó su carrera: “La sirenita”, “La Bella y la Bestia”, “El jorobado de Notre Dame”… y el etcétera ampliamente conocido. A partir de ahí cambian muchas cosas en el género y en el cine de animación ya no resulta extraño o poco ortodoxo que cada compositor llene la película con su propia personalidad.

Si en la primera parte el protagonista será sobre todo Menkes junto a las dos películas que juegan con el jazz en el mundo de la animación como son El Libro de la Selva y Los Aristogatos en la segunda nos acercaremos a uno de los títulos mas exitosos de la factoria Disney de los últimos años y aquí tenemos por donde va un poco la tendencia de las bandas sonoras Disney en los últimos años: sin abandonar un melodismo de buena ley y las músicas que acompañen y definan situaciones y personajes las canciones toman un tremendo protagonismo y las voces que se mueven en un entorno del “pop bien cantado” tienen un gran protagonismo. Allí radica el éxito de Frozen en su historia encantadora y con guiños al mundo nórdico como ese tema inicial como es Vuelie del compositor noruego Frode Fjellheim que abrirá la segunda parte y que es todo un guiño a la riquísima tradición vocal de la música nórdica.

Tras este guiño las grandes protagonistas son las canciones tan simples como efectivas en las que han colaborado varios compositores. Vemos que el trabajo colectivo también cabe en el universo Disney y que la efectividad de sus bandas sonoras continúa con los años. En este caso la inteligencia colectiva y una línea de trabajo de décadas ha marcado una línea que permite ser fiel a si misma e incluir novedades casi constantes.

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