LA ORQUESTA DE CÁMARA HOY

FICHA DEL CONCIERTO

Orchestre d’Auvergne.  J. M. Trotereau, chelo.  R. Forés-Veses, director. Obras de Mozart, Fauré. Debussy, Dvorak y Suk. Domingo 8 de marzo. XXXV Ciclo de Introducción a la música

El tipo de concierto que vamos a oir es un concierto que se da ya mucho menos ahora que lo que se daba hace veinte años por poner un ejemplo, yo creo que uno de los motivos es que estas orquestas de cámara solían basar su repertorio en el barroco y eso era un error que en el momento en el que el barroco pasó a ser interpretado con criterios de autenticidad histórica dejo las versiones de estas orquestas fuera de estilo, algo obsoletas… eso sin duda provocó una crisis de las que han salido reforzadas las orquestas que han sabido buscar otros repertorios que los hay y muy interesantes como veremos en este concierto.

 MOZART DE APERITIVO

Al regreso del segundo viaje a Italia, Mozart encuentra un cambio sustancial en Salzburgo. El 16 de diciembre de 1771 había muerto el arzobispo Segismundo von Schrattenbach, de quien él y su padre habían dependido hasta entonces, siendo sustituido por el príncipe Hieroymus de Colloredo, obispo de Gurk. Se ha dicho que Mozart padeció bajo el poder de Colloredo y es cierto que su sensibilidad y su orgullo sufrieron mucho a las órdenes de aquel hombre colé- rico que despreciaba a los salzburgueses, sin excluir a ninguno de los Mozart. Su nuevo cargo de maestro de capilla, en la corte del nuevo arzobispo, es un continua humillación. El sueldo era bajísimo y no había más horizonte que el reglamentario del escalafón cortesano, ni otras posibilidades que las de un compositor de mú- sica ligera y galante al estilo francés. Tenía que vestir librea, ser callado, sumiso y reverente, no pedir nada extraordinario. Sin embargo, entre el regreso del segundo viaje a Italia, a fines de 1771, y su tercer viaje, en octubre de 1772, es decir en el plazo de diez meses, Mozart conoce uno de los períodos más fecundos y transcendentales de su producción. Compone por lo menos ocho sinfonías (desde la n.° 14 a la 21, K. 114, 124, 128, 129, 130, 132, 133 y 134), el precioso Divertimento K. 131, en seis movimientos (para cuerdas, oboes, flautas, fagot y cuatro trompas) además de los llamados Divertimenti en cuarteto, K. 136, 137 y 138, el primero de los cuales, en Re mayor, escuchamos hoy aquí. El trabajo de un Mozart de dieciséis años ha sido, sin lugar a dudas, agotador, pero en modo alguno rutinario. Se dan en todas estas concomitancias con otras partituras de similares características escritas en etapas anteriores. Se continúan apreciando influencias italianas en el tratamiento instrumental, los desarrollos son breves, si los hay, la estructura sigue siendo rígida, pero vemos ya otro talante melódico, los resultados musicales son más incisivos, en lo humorístico y en lo dramático, las armonías son más fuertes. En definitiva, estamos ante un Mozart que empieza a ser él, a independizarse de los modelos italianos, a tener rasgos, aquí y allá, de su ya próxima y genial madurez estética. Los tres Divertimenti salzburgueses de 1772 son, en realidad, tres cuartetos de cuerda. Einstein rechazó la autenticidad mozartiana del título Divertimento por considerar que este tipo de obras conlleva la existencia de dos minuetos, que aquí faltan. Sin embargo, Jean y Brigitte Massin rearguyen que eso sería conceder mayor estabilidad al género divertimento de la que realmente tiene. Por otra parte, el propio Mozart había escrito meses antes el Divertimento K. 113, el cual sólo tiene un minueto. Debemos pensar, por tanto, como los Massin, que no dar el título de cuartetos a estas piezas obedece a razones estéticas, ya que Mozart resevaba a este título otro contenido, entrevisto en su Cuarteto K. 80, fechado en Lodi dos años antes. También Einstein con sidera a estos Divertimenti como tres sinfonías para cuerda, al estilo de la Op. 1 n.° 5 de Haydn, escritas como previsión para sus futuros conciertos en Milán. Esto es verosímil, mas, en cualquier caso, estamos ante un Mozart todavía vacilante ante las diversas formas que se incubaban en su tiempo, pero, a la vez, consciente de que cada una de ellas debe tener un contenido y carácter propios.

El CHELO EN FRANCIA

Francia y la melodía están ligados en la historia de la música y por ello no debe extrañarnos que un instrumento tan adecuado para cantar melodías como el chelo, La  Élégie (Elegía), Op. 24, fue escrita por el compositor francés Gabriel Fauré en 1880, y  publicadoa y presentada en público en 1883.  Como la siguiente obra que oiremos, está originalmente escrita  para violonchelo y piano aunque en este caso la pieza fue más tarde orquestada por el propio  Fauré. La obra, en do menor, cuenta con una apertura triste y sombría y culmina con una intensa sección central de ritmo rápido, antes de que retorne el tema de apertura elegíaco.

En 1880, después de haber completado su Primer Cuarteto de Piano, Fauré comenzó a trabajar en una sonata de violonchelo; Fauré solía componer  primero el  movimiento lento de un trabajo, y así lo hizo para la nueva sonata. El movimiento ya terminado probablemente fue estrenado en el salón de la casa de Camille Saint-Saëns en junio de 1880. El movimiento, como el cuarteto, est en la tonalidad de do menor. Fauré nunca  terminó la sonata y en enero de 1883 el movimiento lento se publicó como una pieza independiente bajo el título Élégie.

La primera audición de la obra bajo su nuevo título se le dio en la Société Nationale de Musique en diciembre de 1883 con el compositor al piano y el  violonchelista Jules Loeb al que la pieza está dedicada.   Élégie fue un gran éxito desde el principi y el director  Édouard Colonne preguntó a Fauré por la posibilidad de que hiciera  una versión para violonchelo y orquesta. Fauré estuvo de acuerdo, y esa versión se estrenó en la Société Nationale en abril de 1901, con el chelista español Pau Casals como solista y el compositor como director.

La pieza es en forma ABA en tres tres partes, en la que el material musical del comienzo vuelve a cerrar la pieza después de una sección media de contraste. La apertura es una melodía sombría, de larga respiración en la que el violonchelo lleva el material temático principal. En la parte media el acompañamiento, en este caso la orquesta,  lleva el tema melódico antes de que pase al violonchelo.  El tema de apertura vuelve, pero lo hace  jugando con algunas de las características rítmicas heredadas de la sección central. La obra termina en un ambiente de calma. La versión orquestal de la obra requiere dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas y cuerdas para acompañar el violonchelista. El especialista Fauré Jean-Michel Nectoux escribe que la Élégie fue una de las últimas obras en las que el compositor se permitió “una expresión tan directa del pathos”. Nectoux se refiere a la pieza como “una de las últimas manifestaciones del romanticismo musical francés. A partir de ahora la música de Fauré  será más introvertido y discreta”

La primera parte terminará con una segunda y no muy larga intervención del chelo solista, en este cason con una nueva transcripción de una obra para chelo y piano pero en este caos la transcripción no es del propio autor. La Sonata para violonchelo es una obra tardía del compositor francés Claude Debussy. Fue la primera de una serie planificada de ‘Seis sonates vierten diversos instrumentos “, sin embargo Debussy sólo completó otros dos, la sonata para violín y la sonata para flauta, viola y arpa. La sonata para violonchelo y piano fue escrita en 1915, y se caracteriza por su brevedad que no suele  exceder de los 11 minutos. Es una obra clave del moderno repertorio de violonchelo  considerado como una de las mejores obras maestras escritas para el instrumento. Se divide en tres movimientos cortos y los dos movimientos finales están unidos por un attacca. En vez de la forma sonata, estructuras Debussy la pieza en el estilo de la sonata monotemática del siglo XVIII, y fue particularmente influenciado por la música de François Couperin.  La pieza hace uso de modos y tonos enteros y escalas pentatónicas, como es típico del estilo de Debussy. También utiliza muchos tipos de técnica cello extendido, incluyendo pizzicato de la mano izquierda, y spiccato Flautando inclinándose, falsos armónicos y portamenti. No es sorprendente que la pieza se considere técnicamente exigente.

VIAJE A LA MÚSICA CHECA DEL PROFESOR Y EL ALUMNO

Y la segunda parte nos propone un viaje a la música checa con  uno de sus autores mas famosos, Antonin Dvorak y  el que fue su gran alumno Josef Suk, que siguió todos los estándares de este tipo de casos hasta el punto de que se casó con la hija de Dvorak.

De Dvorak oiremos dos de sus valses del op 54. Piezas en las que el maestro checo simplemente explota la bellaza melódica como el sabe… Sin duda Dvorak se sabe depositario de varias herencias por un lado la de la música popular bohemia pero por otro lado la de la gran música del imperio austrohúngaro… y estos valses de indudable inspiración se encuentran justo en ese punto… melodías maravillosas que tanto pueden destilar origen popular y ser bailadas en fiestas populares bohemias como sonar cercanas a los salones vieneses.

Nació el 4 de enero de 1874 en Krecovic, Bohemia, en el seno de una familia de músicos que vivía en el campo. En 1885 entró en el conservatorio de Praga y cuando acabó en 1891, decidió quedarse a estudiar un año más con Antonín Dvorák, que acababa de ser contratado como profesor por este conservatorio y tenía allí alumnos sobresalientes como Vitezlav Novák.  Su gran obra llegó en 1892, la Serenata para cuerda, opus 6. A finales de siglo era considerado como uno de los principales compositores checos de la generación posterior a Dvorák. Desde 1893 hasta su jubilación en 1933, formó parte como segundo violín del Cuarteto checo, uno de los cuartetos de cuerda más famosos de su época.  Se casó en 1898 con la hija de Dvorák, Otilia. Falleció muy pronto, en 1906, justo dos años después de que falleciera su padre. Esto inspiró a Suk lo que se considera su obra cumbre, la gran sinfonía Asrael, opus 27 (1906). Tres de sus grandes obras orquestales fueron Un cuento de verano (1909), Maduración (1917) y Epílogo (1929). También es autor de la obra titulada Cuento sobre el relato Raduz y Mahulena del poeta Julius Zeyer, del poema sinfónico Praga y de Fantasía para violín y orquesta, Scherzo fantástico, canciones y obras para piano. Josef Suk falleció el 29 de mayo de 1935 en Benesov, cerca de Praga.  El nombre de Josef Suk es bastante conocido a pesar de que su música es muy poco conocida fuera de la Republica Checa. Esto ocurre gracias a su nieto, Josef Suk, un destacado violinista checo que tuvi de una carrera muy activa como solista y musico de camara. Para complicar las cosas un poco, debemos mencionar que el primer Josef Suk no podemos llamar Josef Suk Sr., porque el a su vez era el hijo de otro Josef Suk, tambien musico y su primer profesor importante. El mas joven que conozco de la dinastia de Josef Suk, el arriba mencionado violinista, es además como habrán podido deducir el biznieto de Antonin Dvorak.

La serenata, que es sin duda su obra mas famosa, fue escrita bajo la recomendación del propio Dvorak, quien sintio que un compositor de 18 años, en ese momento era estudiante del Conservatorio, deberia ampliar el contenido emocional de sus composiciones, que hasta ese momento eran muy tragicas y oscuras, y escribir algo mas alegre y entusiasta. El resultado fue esplendido. Aunque la influencia de Dvorak es bastante aparente, se trata también de una  musica muy original. Aunque el espiritu general de la Serenata es alegre, Suk era incapaz de mantenerse solo en estados de humor alegres, y en este sentido, la Serenata se diferencia drasticamente de la de Dvorak y la nostalgia parece teñir el tono general de la obra

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