EL TRADICIONAL DOMINGO DE CINE

FICHA DEL CONCIERTO

Concierto de la Joven Orquesta de Bandas Sonoras. Antonio Lajara, director. Obras de Conti, Zimmer, Williams, Brun, E. Bernstein, Baños,Goldsmith, Silvestr y Shore. Ciclo de Introducción a la Música. Domingo 25 de enero.

Felizmente en el ciclo de Introducción a la Música tiene una serie de sanas tradiciones entre las cuales el ocupar una sesión a la música de cine es de las mas consolidadas. Es evidente que el pasado siglo ha incorporado este nuevo medio a la música sinfónica y es evidente que con toda la variedad del mundo ha creado un género nuevo y con códigos muy claros que ha logrado enganchar a un público diferente al habitual en las salas de concierto. Entre nosotros quienes llevan defendiendo esta música con ahinco desde hace ya unos años es la Joven Orquesta de Bandas Sonoras, otro de los proyectos surgidos en esta tierra que visitará este ciclo hasta marzo, todos ellos proyectos con escaso o nulo apoyo institucional a los que al menos el Auditorio de Zaragoza programa para que puedan seguir con su trabajo. En este post recordaremos de donde bebe y de donde nace el género (si es que lo podemos llamar así) de la música de cine y aportaremos algunos datos sobre los autores que están presentes en este programa. Quien quiera profundizar más en este caso tiene entradas anteriores de los anteriores años del ciclo de donde aquí también beberemos.

LA MÚSICA DE BANDAS SONORAS  ¿UN GENERO APARTE?

 En el mundo de las artes nos gusta mucho clasificar, por estilos, por géneros, por épocas y así poder poner etiquetas rápidas a las obras. Así no nos puede extrañar que dada la importancia del cine en el siglo XX se hable de la música de cine, de las bandas sonoras, como un género independiente. Vamos a analizar hasta qué punto se puede hablar de música de cine como género musical independiente. Lo primero que le podríamos exigir a un género es que tenga unas ciertas reglas, un cierto comportamiento común que a su vez lo diferencie del resto de los géneros. ¿Lo tiene esto la música de bandas sonoras? Pues si respondemos en modo amplio tendríamos que decir claramente que no pues ese nombre recoge músicas de carácter completamente diferente lo miremos por donde lo miremos. Pero si cerramos un poco el círculo la respuesta puede ser muy diferente. Yo me atrevería a decir que si existe un lenguaje común construido en torno a la gran industria norteamericana del cine que en su primer momento además contó con un buen número de compositores provenientes de Europa. La base del género la podríamos situar así en los años 50 y 60 del pasado siglo y es verdad que a partir de ahí se construye un género con unas bases comunes mínimas que podríamos fijar aquí y que serían: partituras basadas en la estructura tradicional de la orquesta sinfónica con tendencia en muchos casos a cierta grandilocuencia y a marcar muy claramente, con muy poca ambigüedad el “estado anímico” de la escena.

Se nos podrá decir que decir esto es decir poco y que existen centenares de ejemplos que se salen de este concepto y se nos dirá con razón pero también es verdad que bajo el paraguas que hemos establecido caben prácticamente todas las bandas sonoras que han pasado a la categoría de clásicos, desde las de Miklos Rozsa que abrirá el concierto de hoy hasta las más recientes de John Williams que pudimos oír en el Ciclo de Introducción a la Música del pasado año.  Y eso sí, análisis aparte merecen las bandas sonoras de la factoría Disney que también ha sufrido una interesante evolución a lo largo de los años.  Pero para hablar un poco de esas grandes bandas sonoras, de esas que ya están en el repertorio como casi todas las que oiremos este domingo veamos de donde vienen…

¿DE DONDE VIENE TODO?

¿Saben de dónde bebieron muchos de los compositores clásicos del cine de Hollywood? Pues en buena parte de la música romántica y postromántica europea. El caso de la inspiración en Gustav Holst por parte de John Williams que vimos el año pasado es muy evidente pero si miramos un poco más en profundidad podremos incluso decir que la música de cine norteamericano bebe en buena parte de la música rusa de inicio del siglo XX.

 El cine soviético contó en sus películas con la participación de los compositores más relevantes de su tiempo y si, muchas de las películas duermen en el limbo de los justos, las bandas sonoras han sobrevivido en forma de suites o se han reconvertido en forma de melodías populares.

 Dentro de la idiosincrasia soviética, la música para el cine reunía todos los condicionantes de un comportamiento “ortodoxo”: el compositor quedaba subordinado a una estructura mayor, era una herramienta estupenda para la propaganda de la ideología comunista y exigía un lenguaje sencillo y al alcance del pueblo. Es por esto que los compositores más cuestionados por el régimen fueron los que más se afanaron en escribir música para el cine. Además, el trabajo en la industria del cine era uno de los mejores pagados dentro de la estructura económica soviética y permitió a los músicos gozar de unos ciertos privilegios: tanto Shostakovich como Schnittke se compraron sus primeras casas en el centro de Moscú gracias al cine.

Por otro lado, la música para películas les servía de laboratorio para otros proyectos y muchas de las melodías eran reutilizadas más adelante en otras obras. La música para estas obras estaba inspirada habitualmente en música folclórica o en cantos revolucionarios.

 Shostakovich, probablemente el sinfonista más importante del siglo XX,  comenzó a trabajar como pianista de un cine mudo y, según cuenta la leyenda, le echaron porque se reía tanto con las películas que muchas veces se olvidaba de tocar. Para el cine solamente Compuso 36 bandas sonoras. Shostakovich escribía una música sencilla y poco elaborada en sus películas. Consideraba que la música en el cine no debía acompañar la acción sino encumbrarla y darle una nueva dimensión (vemos que probablemente estamos también ante uno de los primeros teóricos sobre la relación entre cine y música).  Por eso muchas veces su música contrasta con la imagen. Cuenta su hija Galina: “Cada vez que le encargaban a mi padre la música de alguna película, recibía una especie de plan de trabajo que incluía una relación de las escenas cinematográficas y su duración. Y aquella vez se marchó a Bolshevo, dejándose en Moscú la hoja del plan de trabajo. Tuvo que llamar a casa; encontré el papelito en su escritorio y me puse a dictar: “Bien, ¿ya lo tienes anotado? Trolebús en una calle de Moscú: seis minutos… Silencio blanco: tres minutos…” Lo del “silencio blanco” (una estepa nevada) le divertía especialmente porque decía: “¿Cómo quieren que exprese musicalmente ese “silencio blanco”?”. Simple modestia nos atrevemos a decir, sólo hay que escuchar el segundo movimiento de su concierto número dos para piano (que por cierto oiremos en este ciclo el segundo domingo de febrero) para saber cómo debe sonar una estepa nevada.

Otro de los autores claves de esta época en la Unión Soviética fue Sergei Prokofiev que a pesar de haber escrito solamente seis bandas sonoras, son las más populares, sobre todo por su asociación con el gran genio ruso del cine Sergei Eisenstein para el que escribió las bandas sonoras de “Alexander Nevski” e “Iván el Terrible” (1944) . Frente a la música de Shostakovich, la escritura para el cine de Prokofiev es mucho más elaborada y profunda.

Pero damos ya el salto a Estados Unidos donde  entre los primeros grandes compositores para bandas sonoras podemos destacar nombres de origen europeo que o bien beben de las fuentes que acabamos de citar o bien al menos comparten raíces con ellos, de estos años 30 caben citar a Dimitri Tiomkin, Franz Waxman o un poquito más tarde Bernard Herman . Los tres son de origen europeo y al último de ellos costará poco ubicarlo diciendo que es el compositor (por poner su música archiconocida) de la banda sonora de Psicosis y su famoso tema de las cuchilladas en la ducha.

Una vez Max Steiner, también compositor de origen europeo explicó; “En aquella época, en las películas dramáticas se usaba la música únicamente cuando lo exigía el guion. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les preguntaran de dónde salía la música. Por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio, que ya estaba especificado en el guion”. En 1933, con la película King Kong, Steiner demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes del film.

ESPAÑOLES PARA EL CINE

Se agradece mucho que la JOBS haya incluido en el programa al menos una pieza de un compositor español para bandas sonoras ya que supone salirse de los tópicos del cine de hollywood para mostrarnos desde lo cercano una evidencia que por mucho que sea evidente hay que recalcar y hacer notar: en Europa también se hace grandísima música de cine y aquí los orígenes de los que hablábamos antes están más cercanos…. Al final no nos debe extrañar que haya un gran número de músicos de cine italianos o franceses, todo encaja, ellos tienen una tremenda tradición de siglos de música incidental de la que beber, y al fin y al cabo la música de cine no deja de ser la música incidental que mas se ha desarrollado en la historia de la música. El realizar una historia de la música del cine español nos llevaría como mínimo un artículo propio pero baste decir que está regada por la presencia de grandes nombres de los que citaré algunos sin ánimo de ser exhaustivo sino más bien los que me vienen a la memoria. No puedo dejar de nombrar al turolense Antón García Abril, que puso todo su saber académico y de gran compositor al servicio de las comedias españolas de los sesenta y setenta siendo capaz de mezclar a Bach con su conocido sonido “daba daba”, eso es efectividad. Y de los recientes un primer nombre que me viene a la cabeza es el de Alberto Iglesias, que ha acompañado a nuestro desigual genio manchego Pedro Almodovar entre otros con gran maestría expresiva y facilidad melódica fruto de un profundo oficio. Y como he dicho que no quería ser riguroso sino emocional dejo para el final a un aragonés muy joven que se está haciendo camino en este mundo y lo está haciendo realmente bien, hablo del ejeano afincado en Los Ángeles,  Sergio Jimenez Lacima, que tras una solidad formación como director y compositor maneja ahora a la perfección todas las claves que le están haciendo colocarse dentro del mercado norteamericano.

Pero hablemos un poco más de Roque Baños, el que por meritos propios, ha sido escogido por la JOBS, para aparecer en este programa, tomaremos material de su propia web para ello.

Roque Baños López nace en la localidad murciana de Jumilla, en el año 1968. Sus primeros estudios los realiza en el Conservatorio Superior de Música de Murcia, donde finaliza el grado elemental en la especialidad de saxofón, consiguiendo Premio Fin de Grado de Solfeo y Matrícula de Honor en Saxofón. Más tarde, en 1986, se traslada a Madrid, donde accede al Real Conservatorio de Música de la ciudad, lugar en el que completa sus estudios. Obtiene el Premio Fin de Carrera, además de varias menciones y matrículas de honor, consiguiendo las titulaciones de Profesor Superior de Saxofón, Piano, Solfeo, Armonía, Contrapunto, Composición e Instrumentación y Dirección de Orquesta.

En 1997 aprueba por oposición la plaza de saxofón de la escala básica de suboficiales musicos de la Armada. Cuerpo al que pertenecerá durante los siguientes 11 años. En su faceta de instrumentista, ofreció varios conciertos, tanto como solista como formando parte de varios grupos de cámara, estrenando obras de autores españoles y extranjeros. Pero sus pasos musicales se han encaminado decididamente hacia la composición y la dirección, hallándose en ellas su labor más importante: ha estrenado y dirigido obras en el Auditorio Nacional de Madrid, el Centro Reina Sofía y el Círculo Cultural de Bellas Artes, así como en el Festival de Música Contemporánea de Alicante y en otros diversos puntos del país.

En 1993 recibe una beca del Ministerio de Cultura, y estudia en Berklee College of Music, donde se especializa en Composición de Música para cine y en Jazz, consiguiendo el premio “Robert Share Award” por demostrar “el más alto nivel dramático-musical en el área de composición de música para cine”, y en el campo del jazz un “Achievenment Award”, que le es concedido por sus magníficas cualidades interpretativas. En 1995 se gradúa con la distinción “Summa Cum Laude” en las especialidades de Film Scoring y Performance.

En 1998 recibe su primer encargo como compositor de Bandas Sonoras con la película “Carreteras Secundarias” de Emilio Martínez- Lázaro. Desde entonces ha trabajado con directores de primera linea del cine español como Alex de la Iglesia, Daniel Monzón, Carlos Saura, o el propio Martínez Lázaro, y otros internacionales como Jonathan Glazer, Marcelo Piñeyro, Brad Anderson, o Gerard Junot. En su trabajo como compositor para cine ha sido premiado y nominado en numerosas ocasiones, con distintos galardones, tanto a nivel nacional como internacional, de entre los que cabría destacar, 3 premios Goya, uno de ellos recibido en 2003 en la categoría de mejor canción, por un tema de la película Salomé dirigida por Carlos Saura, titulado “Sevillana para Carlos”. Los otros dos, le fueron otorgados en 2008 y 2009, en la categoría de Mejor Música Original por las bandas sonoras de las películas Las trece rosas y Los crímenes de Oxford, respectivamente. Así mismo ha sido nominado a dichos premios en otras 7 ocasiones por las películas “La Comunidad”, “800 Balas”, “El Maquinista”, “Frágiles”, “Alatriste”, “Celda 211” y “Balada Triste de Trompeta”.

Nominado a los premios Ariel mexicanos por la música de la película Amor, dolor y viceversa (Violanchelo), sentando así precedente por haber sido el primer español que optase a ese galardón. Al igual que le sucedió con la película Las viudas de los jueves, por la que también resultó candidato a los premios de la Academia Argentinos.

Recogió el premio Toulouse Cinespaña en 2003 por 800 balas. Tres años más tarde, se le haría entrega del premio “cine colombiano” por su trabajo en Rosario Tijeras.

Cuenta con 6 nominaciones a los Premios de la Música desde el año 2001 hasta el actual, por las películas “Alatriste”, “Las 13 rosas” y “Balada Triste de Trompeta”, más aquellas 3 por las que en 3 ocasiones resultó ganador: La comunidad (2001), Los crímenes de Oxford (2009) y Celda 211 (2010). Estas dos últimas también fueron reconocidas con sendos premios del Círculo de Escritores Cinematográficos. Círculo que también le premió con el galardón por la música original de Goya en Burdeos (2000) y del que ha resultado nominado en 9 ocasiones, a parte de las ya mencionadas, por las películas “El otro lado de la cama”, “La Flaqueza del Bolchevique”, “El 7 día”, “Frágiles”, “Las 13 rosas”, y “Balada triste de Trompeta”.

Ha realizado numerosos conciertos interpretando sus propias bandas sonoras en forma de Suites en varios Teatros y Auditorios de gran parte de la geografía española, como en el Real Teatro de la Maestranza de Sevilla, con la Orquesta Sinfónica de Sevilla y Coro. Gran Teatro de Córdoba, Teatro de La Axerquía de Córdoba y Auditorio de Cabra con la Orquesta de Córdoba y Coro Ziryab. De esta colaboración nace la edición de un Doble CD+DVD del concierto realizado en el Teatro de la Axequía de Córdoba. Auditorio de Badajoz, Auditorio y Teatro Romano de Mérida con la Orquesta de Extremadura. Auditorio de Murcia y Teatro Vico de Jumilla con la Orquesta de Murcia y Coro Ziryab. Auditorio Nacional de Madrid con la Orquesta y Coro Filarmonía, así como sus participaciones en varias ediciones del Festival de Música de cine de Úbeda. Greenspace de Heineken, con la Orquesta Filarmónica de Valencia y Coro. Cabiendo resaltar a nivel internacional, el concierto ofrecido en el Katoviche National Theatre (Polonia) con la Orquesta Aukso y la Camerata Silesia.

En 2013 compone la música original para la película ‘OLDBOY’, dirigida por Spike Lee, así como ‘EVIL DEAD’ de Fede Álvarez, ganadora en la categoría de Fantasía / Sci-fi / Terror en los premios anuales concedidos por la INTERNATIONAL FILM MUSIC CRITICS ASSOCIATION.

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