INTELIGENCIA SUMADA A JUVENTUD

FICHA DEL CONCIERTO

Benjamin Grosvenor, piano. Obras de Mendelssohn, Schubert, Schumann, Mompou, Medtner Ravel y Liszt. XVII Ciclo de Grandes solistas “Pilar Bayona”. Jueves 5 de junio.

Muchas veces a la hora de escribir las notas de este blog cuando hablamos del ciclo de grandes intérpretes nos encontramos con autores y obras siempre presentes y es lógico que así sea; es lógico que todos los grandes pianistas quieran abordar las “grandes cumbres” del repertorio, pero dentro de esto podemos decir que en la manera de organizar un programa se sabe mucho de por dónde puede ir un intérprete y en el caso de Benjamin Grosvenor un simple vistazo a lo que tocará en Zaragoza nos dice mucho y bueno de él. Tengo que decir que este chico, que aun no ha cumplido los 22 años, repite ya en Zaragoza y si lo hace es porque su debut en este ciclo fue un concierto diferente. Creo que este ciclo nos brinda la posibilidad de ir conociendo, aparte de los maestros más veteranos y consagrados, a casi todos los pianistas jóvenes que empiezan a despuntar en el panorama internacional. Muchos han venido una vez, y pocos vuelven porque siempre hay otros jóvenes talentos que vienen por detrás “achuchando fuerte”. Digo todo esto porque en medio de todo esto para hacer una carrera larga de pianista es necesario “algo más”. La excelencia técnica y un alto grado de sensibilidad musical se les supone pero hay quien llega más alla. ¿Cómo? Pues hay factores más sencillos de explicar y otros no tanto y que sólo se entienden al acabar un concierto y ver con que sensación sale la gente del mismo. Y entre los factores más sencillos que nos hacen ver ese carácter especial está le selección del programa y aquí Grosvenor en su segunda visita a Zaragoza nos sorprende con un programa planteado con gran inteligencia, analicemos esto brevemente. El programa empieza por tres compositores románticos pero de ese primer romanticismo que tiene todavía más centrado el interés en la forma y en la melodía que en el virtuosismo. No se puede negar que empezar con Mendelssohn, Schumann y Schubert es una muestra de un pianismo sereno y maduro. Despues empiezan las sopresas de la noche pues aparece Mompou, ese gran músico español del pasado siglo que empieza a captar el interés de los primeros pianistas internacionales (Volodos ha grabado un cd más que recomendable dedicado a este compositor). Mompou para los pianistas supone toda una prueba de control, de contención y les permite que aflore lo más íntimo, lo más pequeño que les ha hecho crecer como pianistas. Eso si, tras pasar por Ravel el concierto acabará con una gran obra de concierto de lucimiento máximo, una vez un tema operístico (en este caso de Gounod)pasado por el endiablado tamiz de Franz Liszt.

DE ROMANTICISMO Y SIGLO XX
El primer bloque del concierto recoge como hemos dihcho obras de 3 de los grandes genios del primer romanticismo alemán, tan diferentes y con tantas cosas en común.
El op. 14 de Mendelssohn nos habla de un compositor que aun se está haciendo pero con una gran capacidad melódica. La obra rezuma luminosidad y parece perfecta para abrir una velada como esta, tras una primera sección tranquila la parte final quiere ser brillante y en ella asoman ya los aromas de lo que será la posterior música de Mendelssohn.
Tras ella llega el turno a uno de los impromtus de Schubert, elnº 3 del D. 890. El impromptu es un género romántico que nació a partir del término utilizado por el periódico alemán “Allgemeine Zeitung Musikalische” en 1817 para designar una obra improvisatoria del compositor Jan Václav Vorisek. No son muchos los compositores que han cultivado este género pero de entre ellos podemos destacar a Schubert, Chopin, Schuman, Liszt o Fauré.

El impromptu se pude definir como un desahogo romántico, una obra concertante que pretende dar rienda suelta al espíritu libre y creador del compositor. Diez años después de la publicación de Vorisek, Schubert utilizó este término para ocho obras pianísticas terminando por consagrar el género y convirtiéndolo en una moda romántica que adoptarían los más virtuosos pianistas.

El impromptu suele adoptar una forma ternaria o tripartita ABA para permitir al compositor jugar con los contrastes. La primera parte o parte A, es la formada por una parte virtuosa. Una zona de gran rapidez y dificultad técnica, agresiva y desgarradora. La parte B, por el contrario, suele ser más pausada y melódica y en un tono diferente a la primera; es aquí donde se deja ver la sensibilidad del artista. Para finalizar, se vuelve a recuperar el tema A creando una estructura simétrica. Una breve coda final puede dar por concluida la obra. Aunque los impromptus de Schubert suelen, a veces, tomar la forma de otros géneros como la sonata, el rondó o el minué, reciben el nombre de impromptu por su carácter improvisatorio y no por su estructura interna.
Humoreske, opus 20 data de marzo de 1839 y fue acabada en un corto espacio de tiempo. Schumann escribió a Clara: “He pasado toda la semana en el piano, componiendo, escribiendo, riendo y llorando, todo a la vez. Encontrarás todo ello cuidadosamente escrito en mi op. 20, la “Grosse Humoreske”, doce páginas compuestas en una semana”.

Clara Wieck en 1837, a los dieciocho años

Schumann fue el primero que introdujo el concepto de “Humoresque” en la música. Este concepto había aparecido a principios del siglo diecinueve en el mundo literario y junto al Grotesque, Burlesque y Arabesque hacía referencia a un género de relatos cortos en un estilo alegre, inofensivo y agradable donde se comentaban con humor e ironía acontecimientos de la vida social y cotidiana.

Humoreske comprende cinco secciones principales casi siempre en forma ternaria (ABA). Cada una de las piezas es autónoma con respecto a las demás, pero al interpretar la obra completa, no debe darse la impresión de división entre las partes. Esta composición constituye un provechoso estudio del estilo de escritura pianística del primer periodo de Schumann, ya que en ella están contenidas casi todas sus técnicas compositivas, como pedales, suspensiones, repetición de figuraciones métricas y muchas más.

Tras una introducción, la primera pieza está construída sobre una frase corta, un motivo ascendente de cinco notas, frecuentemente repetido. La segunda sección contiene un elemento muy característico de Schumann, en forma de una voz intermedia que aparece en la partitura sobre una pauta separada pero que, aparentemente, no debe tocarse. Las notas están dobladas a una octava superior en la rápida figuración de semicorcheas de la mano derecha. Nueve compases adagio conducen a la tercera sección, uno de los más hermosos y elocuentes pasajes de Schumann. Sigue un Intermezzo, con un trabajo de octavas muy preciso, que da paso a la cuarta sección, practicamente un scherzo. Un corto y ligeramente exagerado pasaje con la indicación Mit einigem Pomp, introduce el espléndido Finale, concluyendo la obra en un bullicioso allegro.
A la hora de escribir sobre Mompou creo que escribir mucho sobre él sería traicionar su espíritu que buscaba el manido tópico de hacer más con menos; es mas diría que ni si quiera quería hacer más quería hacer menos y así en la sencillez máxima destilar la belleza mas simple. Podriamos hablar de la clara influencia francesa en su música o comentar como hacía un uso refinadísimo de melodías populares, pero todo sería añadido, por lo tanto diremos que estos paisajes son una muestra de esa sencillez buscada que sólo encuentra buen cobijo en las manos de grandes pianistas como empieza a ser Grosvenor.
De Nikolai Medtner cabe decir que fue un compositor ruso cohetáneo de
Los Rachmaninov y Scriabin y en esa misma escuela nos lo vamos a encontrar. Su obra está centrada en el piano y su obra mas característica es la serie de 38 cuentos de hadas de los que en este caso oiremos 2. Como enseguida verán estamos en este mundo de los postrománticos rusos donde la brillantez de la escritura pianística se pone casi en el centro de la creación musical y por lo tanto ha sido obra favorita de muchos pianistas entre los cuales cabe destacar a Vladimir Horowitz que ya tocó en concierto estas obras.
Y de Rusia el concierto vuelve a Francia para escuchar a uno de los grandes genios del siglo pasado. Recordemos que el vals es tan francés como vienés y Ravel lo reivindicó en mas de una ocasión mediante obras como esta. Los ocho valses nobles et sentimentales que oiremos son piezas para piano compuestas por Maurice Ravel en 1911. Ravel escribió una versión orquestal en 1912 como música de ballet, dándoles el título de Adélaïde ou le langage des fleurs (Adelaida o el lenguaje de las flores).
El título fue escogido para rendir homenaje otro de nuestros compositores de hoy, Franz Schubert, autor en 1823 de dos libros de valses llamados Valses nobles y Valses sentimentales. Los valses de Ravel fueron estrenados en una reunión privada, el 8 de mayo de 1911 por Louis Aubert, a quien están dedicados. Las disonancias del primer valse desconcertaron notablemente al auditorio. El séptimo, que Ravel consideraba como “el más característico” de los ocho, prefigura claramente la apoteosis de La Valse.
Y para terminar el programa Grosvenor volverá al vals, con origen francés pero pasado por el tamiz del pianismo extremo de Liszt; hablamos del vals de Fausto, quitando Carmen probablemente la ópera francesa mas conocida y representada en el mundo. Fausto consigue de una manera magistral simplificar el argumento de Goethe y crear 3 personajes tan característicos como certeros. Pero no olvidemos que estamos hablando de una ópera francesa en la que por lo tanto no puede faltar la música de baile y este vals por si sólo ha conseguido una larga vida en las salas de concierto tanto en la versión orquestal del propio Gounod como en esta versión de Liszt, una más de la serie de paráfrasis sobre algunos de los temas mas populares de la historia de la ópera, sin duda una baza segura para el éxito al final de un concierto planteado con gran inteligencia.

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