ESTO ES AMÉRICA

FICHA DEL CONCIERTO

Orquesta Sinfónica Goya. Enchiriadis and Friends. Elena Frutos, piano. Ruth Iniesta, soprano. Jorge Apodaca, director del coro.  Miquel Rodrigo, director. Obras de Gershwin, Bernstein y otros. XXXIV Ciclo de Introducción a la Música. domingo 6 de abril. 

Nada menos que a Estados Unidos nos lleva este penúltimo concierto del ciclo de Introducción a la Música que nos demuestra de nuevo la capacidad de distintos grupos locales de presentar proyectos musicales muy ambiciosos y que además surgen de la colaboración de varias agrupaciones. En este caso la Orquesta Sinfónica Goya que cumple justo un año de su presentación el día del concierto suma sus fuerzas a Enchiriadis la agrupación vocal femenina que ganó en 2010 el premio extraordinario nacional de canto coral y que está haciendo una labor tan original como interesante, Enchiriadis para esta ocasión se convierte por primera vez de modo excepcional en coro mixto. Para completar el plantel la emergente soprano zaragozana Ruth Iniesta y la joven pianista Elena Frutos,estudiante en nuestro conservatorio superior, con un futuro ambas más que prometedor. Y como guinda repite en el ciclo Miquel Rodrigo, bien conocido en este ciclo por sus programas con la banda del Conservatorio Superior que dirige orquesta por primera vez en la Mozart antes de asumir entre otros el importante reto de clausurar la temporada de abono de la Orquesta de Valencia con Los Planetas de Gustav Holst.  Si a eso unimos un programa ligero y divertido, la mañana vuelve a prometer.

EL GRAN GERSHWIN

La primera parte del concierto nos presenta las dos obras mas conocidas del gran compositor George Gershwin que con un lenguaje bastante diferente la una a la otra nos acercan a ese lenguaje tan propio de la Norteamérica del siglo XX, un lenguaje que supo beber de todas las tradiciones posible y con ellas construir algo con señas de identidad muy potentes a pesar de su origen tan mestizo; vamos que la música norteamericana es buen reflejo de la personalidad de su país.

Pero hablemos de la calle que da nombre al programa y veremos como todo encaja. Broadway es una concurrida calle de Manhattan, la isla en la que se fundó Nueva York, una ciudad que poco a poco fue creciendo y se extendió por otras zonas como el Bronx o Brooklyn, que son nombres de barios neoyorkinos que conocemos, sobre todo, por las películas, recordemos que estamos ante la ciudad mas cinematográfica del mundo.

En un tramo de Broadway se encuentran, aun hoy,  la mayor parte de los teatros de Nueva York y allí se produjeron desde los años veinte cientos y cientos de comedias musicales, dando lugar a un estilo característico que se ha exportado por todo el mundo. Pues bien, en aquellos teatros  que hoy siguen renovados y abiertos, trabajó ya  George Gershwin, un joven nacido en Brooklyn que tenía una especial facilidad para componer melodías pegadizas y que contó con la inestimable ayuda de su hermano Israel (Ira) que escribía las letras. Juntos formaron una pareja artística y cosecharon muchos éxitos.

Hay que destacar no obstante, que George tenía mucho interés por los músicos “serios” europeos como Ravel, Prokofiev o Stravinsky, así que, allá por 1928 hizo un paréntesis en su carrera para viajar a Europa y aprender de los clásicos y de los modernos compositores y de ahí ese americano en París que abre el programa..

George Gershwin no tuvo una formación académica convencional. A pesar de ello, es uno de los compositores norteamericanos más reconocidos por sus canciones, comedias musicales, por sus obras sinfónicas (como la Rhapsody in Blue y An American in Paris que oiremos hoy) y por su ópera Porgy and Bess. Su música tomó elementos del jazz que fueron combinados con la música europea y con algunos elementos de la música tradicional judía.

A mediados de los años veinte del siglo pasado, Gershwin era ya un músico de éxito en los Estados Unidos. La razón de su popularidad estaba en sus comedias musicales y, sobre todo, en el éxito de su Rhapsody in Blue. Entre 1924 y 1934, por ejemplo, ganó más de un cuarto de millón de dólares por los derechos y la explotación de esa obra. Dejó  Brooklyn y se trasladó a Manhattan a un lujoso apartamento y empezó a interesarse por el arte y a frecuentar los círculos literarios. Sin embargo, quiso incorporar nuevas pautas a su labor compositiva.

 Aunque continuó componiendo obras para el teatro musical, lo hizo con un menor ritmo y le dio más importancia a la música de concierto. Tomó clases con compositores de ese ámbito como Rubin Goldmark, Riegger y Cowell. En el año 1928, como mencionamos anteriormente, se trasladó a Europa y fue recibido como una auténtica celebridad. Allí comenzó a escribir lo que posteriormente sería su poema sinfónico An American in Paris. Lo finalizó en Nueva York y fue estrenado, con extraordinario éxito, el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall bajo la batuta de Walter Damrosch.

Gershwin en esta obra lo que quiso fue hacer un gran fresco musical de la ciudad que le había fascinado: «Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un estadounidense que visita París; mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe el ambiente francés… La primera parte está desarrollada en un estilo típicamente francés, a la manera de Debussy o el Grupo de los Seis».

 Deems Taylor, un crítico que se encargó de realizar las notas al programa en el estreno escribió: “La obra comienza con un paseo por los Campos Elíseos; una riña con un taxista, el paseo abandonado del turista y el paso a la orilla izquierda del río Sena son las excusas para el lucimiento de las trompetas, el trombón y el clarinete, respectivamente. Un amable violín nos evoca una escena de amor nocturna… cuando aparece el blues, sólo de trompetas con sordina, como recordando Estados Unidos, sensación reafirmada con la entrada de las trompetas lanzando el tema con aire del ragtime propio de los años veinte. El argumento habla ahora del encuentro con otro estadounidense, y entre recuerdo y recuerdo musical de las vivencias anteriores, se oye un ritmo cercano al swing. La obra termina en el punto de partida, el paseo, despidiéndose con el tema de blues grandioso y más estadounidense que parisino”.

Una de las razones de la popularidad de esta obra fue la película del mismo título estrenada en 1951, que incluye el poema sinfónico, además de canciones de Gershwin. El guión de la película es de Alan Jay Lerner y fue dirigida por Vincente Minnelli. La banda sonora fue dirigida por John Green. Fueron sus protagonistas Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant, Georges Guetary and Nina Foch. La idea de hacer la película surgió del legendario productor de la MGM (Metro-Goldwyn-Mayer) Arthur Freed, quien se lo pidió a su hermano Ira Gershwin. La propuesta era hacer un musical basándose en las canciones de él y de su hermano menor que ya había muerto. Ira aceptó y de ahí surgió una película que fue un éxito de público. Obtuvo seis premios Oscar.

hapsody in Blue es una composición musical escrita por Gershwin en 1924 para paino solo y banda de jazz, en la que se combinan elementos de música clásica con efectos de influencia jazzística.

 La obra fue estrenada el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado “Un experimento en música moderna“, dirigido por Paul Whiteman y su banda, con el mismo Gershwin al piano. En esta rapsodia la palabra “blue“ se refiere tanto a los blues (como canción de este típico género musical americano) como al color azul (blue) que significa en inglés “triste, melancólico“. La versión para piano y orquesta sinfónica fue arreglada por Ferde Grofé en 1946.

 El famoso director Paul Whiteman escuchó a George Gershwin y lo invitó a componer una pieza sinfónica de jazz, para tocarla junto con otros estrenos de compositores modernos en un concierto que daría próximamente con su orquesta.

 A George se le olvidó por completo el encargo, hasta que una mañana apareció en un anuncio del periódico la noticia de un concierto de jazz a cargo de Paul Whiteman y su orquesta, destacando que la obra central del programa sería una composición sinfónica escrita por George Gershwin, quien lo supo cuando leía esa mañana las noticias. No pudiendo eludir el compromiso, George creó en tres semanas su Rhapsody in Blue.

 Paul Whiteman terminó la ejecución en medio de febriles aclamaciones y aplausos; los cronistas aceptaron el veredicto del público, supremo juez, y sus comentarios aparecieron llenos de alabanzas para el joven compositor de 25 años.

 El éxito de la Rhapsody in Blue fue fulminante y pronto se interpretó en América y Europa, constituyéndose en página indispensable en el repertorio de las más famosas orquestas sinfónicas. Esta obra influyó notablemente en compositores europeos y estadounidenses, que comenzaron a utilizar en sus obras melodías y patrones rítmicos del jazz, que por fin se había vuelto “respetable”. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. Más adelante, hizo su propia orquestación de Rhapsody in Blue y compuso sus Preludios para Piano.

¿Hubiera escrito Gershwin una Rhapsody in Blue distinta, diferente si hubiera contado con tres meses en lugar de con tres semanas? A veces, las prisas no son malas.

éxito de la “Rapsodia en Blue”, mal traducida como “Rapsodia en Azul”, ya que no se refiere al color sino a un género musical derivado del jazz, fue fulminante y pronto se interpretó en América y Europa, constituyéndose en página indispensable en el repertorio de las más famosas orquestas sinfónicas. Esta obra influyó notablemente en compositores europeos y estadounidenses, que comenzaron a utilizar en sus obras melodías y patrones rítmicos del jazz, que por fin se había vuelto “respetable”.

 El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. Más adelante, hizo su propia orquestación de “Rapsodia en Blue” y compuso sus “Preludios para Piano”.

 Gershwin logró aunar en su Rhapsody in Blue tres elementos fundamentales de la música de su país: la tradición popular pianística, el tratamiento armónico de la música del teatro de variedades y toda la atmósfera del blues afroamericano. Frecuentemente se suele clasificar a Gershwin como un sinfonista del jazz; tal planteamiento es tan simple como clasificar a Falla como un sinfonista del flamenco. Lo cierto es que Gershwin enraizó su música en la tradición de su país y aprovecho la riqueza rítmica, armónica y melódica que tuvo a su alrededor enfunción de una mayor y más moderna expresividad sinfónica. La obra no está concebida como un concierto para piano y orquesta, pues la función del piano, aunque de claro carácter solista, no sigue la línea concertante clásica, ya que Gershwin lo sitúa unas veces como solista y otras como mero acompañante.

UN REPASO POR CASI UN SIGLO DE MUSICALES

Sin duda es un genero peculiar el de los musicales donde cabe casi de todo, desde lo que antes de llamaba opereta hasta inventos para revivir a glorias del pop (que salvo casos muy concretos y pese a quien pese tienen la gloria mucho más efimera que  los clásicos) pero desde luego donde inventaron el género en en Nueva York que hoy sigue siendo su meca junto a Londres donde los aficionados mas radicales viajan y donde hay musicales que llevan más de 20 años en cartel. Pues bien en el origen del género tenemos a dos compositores que están cerca (o dentro totalmente) del mundo de la clásica… es ese tandem formado por nuestro compositor de la primera parte Gershwig junto a ese genio indiscutible (en dirección, composición e influencia en el mundo musical en general)  que es Leonard Bernstein. Los dos están presentes en esta segunda parte…  De Gershwin ya sólo aparece una canción de sus estandar mas conocidos, el mítico Fascinanting Rhythm escrita por nuestro compositor en 1924 con letras (como casi todo en su caso)  de su hermano Ira y que fue introducida dentro del musical Lady Be Good protagonizado por un jovencísimo Fred Astair.

De Bernstein tenemos dos fragmentos de una de sus obras menos conocidas que se estrenó en Broadway en 1953 (si el gran director mahleriano escribió musicales) y que nos narra una historia tan típica como la de dos hermanas de Ohio a la conquista de la gan manzana… todo un tópico del teatro y del cine del S. XX que da lugar a una obra de una frescura tremenda que Sir Simon Rattle se ha encargado de resucitar en sendas producciones en Gran Bretaña y Berlín y que según los datos que tenemos nunca se ha escuchado en España. Pues bien al menos en este concierto tendremos un “meddley” de números corales de la obra y el nñumero más gamberro de la misma, preparense para la Conga, que además si que tiene caracter de estreno absoluto porque para esta ocasión ha sido reorquestada por el joven compositor residente en Zaragoza y ganador de premios internacionales Oscar Escudero.

Pero también habrá un paseo por los musicales de los últimos años con paradas por dos de los musicales mas populares como son Chicago y Los Miserables… los dos son de esos títulos que han recorrido ya todo el mundo en versiones más o menos acertadas y que han sido carne de película de Hollywood (con desigual éxito además). Ruth Iniesta nos cantará dos de los temas melódicos más bonitos de ese dramón que es la vida de Jean Valjean  (si Victor Hugo llega a saber que entre Traviata y esto iba a ser un rey del teatro musical igual le da algo)  las chicas y chicos de Enchiriadis &Friends cerrarán el programa mas jazzisticos que nunca con el famoso Razzle Dazzle de Chicago. Amigos como ven la fuesta esta servida….

Como aperitivo, vena la que lió Rattle en Berlín con Wonderfull Town

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2 Respuestas a “ESTO ES AMÉRICA

  1. Me ha parecido extraordinario el concierto de esta mañana, sobre todo me ha parecido excelente la soprano Ruth Iniesta con una sorprendente vez capaz de todos los registros

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