LA MÚSICA, LO LOCAL Y LO UNIVERSAL

-. FICHA DEL CONCIERTO

Concierto de la Joven Orquesta Nacional de España. Jose Luis Temes, director. Coro Amici Musicae del Auditorio de Zaragoza, Andrés Ibiricú, director del coro. Judith Jauregui, piano. Obras de Gomez, Debussy, Falla, Chapí, Usandizaga, Fauré y Beethoven

-. EL MOMENTO DE LOS JÓVENES ESPAÑOLES

Comenzamos este domingo día 13 una edición más del ciclo de Introducción a la Música del Auditorio de Zaragoza que cumple ya su edición número 33 siendo una de las programaciones culturales más veteranas de la ciudad por la que han pasado ya decenas de miles de personas y centenares de orquestas, agrupaciones y solistas a lo largo de todas las mañanas de domingo del primer trimestre del año.

Y este año empezamos de nuevo con una manera que viene siendo también tradicional en los últimos años,  la visita de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). La Jonde es una institución del ministerio de cultura que junta en encuentros y tras duras pruebas a los mejores músicos jóvenes españoles y que a lo largo de sus años de vida se ha consolidado como un proyecto fresco, dinámico de alto nivel musical y cuyos frutos ahí están; no sólo por ellos, pero desde luego también por ellos, tenemos quizás las generaciones de músicos mejor preparados en la historia de España y que copan en muchas ocasiones puestos en la mayoría de las grandes orquesta del mundo. Por dar un dato: la orquesta joven que probablemente es la más importante del mundo (La Gustav Mahler Youth Orchestra, fundada por Claudio Abbado) tenía en su plantilla del pasado año un total de 28 jóvenes músicos españoles siendo el país más representado.

Y el programa que nos presenta la JONDE en esta primera mañana de domingo no puede ser más interesante por variedad y novedad por juntar lo local y lo universal en un solo concierto.

-. “LA ESPAÑA EXÓTICA”

La primera parte  y el inicio de la segunda nos presenta un recorrido amplio a base de obras breves por lo que aquí llamaremos para simplificar el “nacionalismo musical español de tema orientalizante”; es decir, en el concierto se escucharán obras de autores españoles y de Claude Debussy inspirados en esa parte tan fascinante de la cultura española que son las huellas de la presencia islámica.

Para los compositores ávidos de buscar raíces nacionales y a la vez gustosos de la música orientalizante España pasó a ser un perfecto lugar de inspiración y en este concierto oiremos una serie de obras de pequeña y mediana duración que llegarán hasta la primera obra de la segunda parte.

La primera obra es la ‘Canción árabe sobre las notas del nombre de Arbós’ de Julio Gómez. Lo primero que tenemos que explicar es eso de “sobre las notas del nombre de Arbós. El compositor pretende homenajear al maestro Enrique Fernandez Arbós, probablemente el gran director español de inicios del siglo XX y utiliza las notas asociadas a su apellido como base para su composición como ya hicieron Bach o Shostakovich. El compositor de esta obra, Julio Gómez, es uno de los miembros de la llamada “generación de los maestros” junto a Joaquín Turina, Oscar Esplá o Jesús Guridi.  Gómez era considerado el intelectual del grupo dado que era doctor en historia y fue tanto compositor como bibliotecario del conservatorio de Madrid.  Hoy son muy escasas las interpretaciones de sus obras y abriendo el concierto oiremos una de las más breves pero que nos dibuja muy claramente su perfil como compositor; en la polémica entre mirar hacia la propia tradición española o beber de lo que viene de fuera Gómez toma partido por la primera postura y teje una melodía de aire tradicional tejida, eso sí, muy sabiamente desde el punto de vista orquestal.

Y este tono arabizante es el preludio perfecto para viajar a la ciudad que va a ser protagonista de todo el resto de la primera parte; hablamos de Granada, la capital nazarí que fue centro de inspiración como ninguno para estas corrientes tardo románticas. Las dos primeras composiciones de inspiración granadina vienen de uno de los grandes compositores franceses entre los siglos XIX y XX, el genial Claude Debussy. Mientras en Viena habían encontrado el camino de la ruptura con la tonalidad, Debussy encontró su camino en el juego del color. Frente a la confrontación del camino austriaco, Debussy encontró una cierta continuidad en esa búsqueda del color que siempre ha sido un elemento muy francés en la música.

Lo curioso de la inspiración granadina de nuestro compositor es que Debussy jamás estuvo en España, ni siquiera en Granada. ¿De dónde pues la inspiración? Debussy no conocía la Alhambra de Granada. Sin embargo, había visto dibujos y fotografías de sus patios y estancias en alguna de las revistas ilustradas que se publicaban a finales del siglo XIX en Francia. También el compositor había leído los Cuentos de la Alhambra, del escritor estadounidense Washington Irving. Este libro, que recoge leyendas hispanoárabes sobre el “castillo rojo” de Granada, fue uno de los bestsellers del siglo XIX.

Tenemos que decir que lo de Debussy no es una ocurrencia aislada, ya que desde mediados del siglo XIX, España ejerció una tremenda atracción sobre los músicos franceses; asimismo, la presencia de España en la música francesa es inseparable del influjo de ésta en la música española. Durante la segunda mitad del siglo XIX y al comienzo del siglo XX, España fue uno de los temas de inspiración favoritos de los compositores franceses, y, por otra parte, París se convirtió en el principal polo de atracción y centro de formación de los músicos españoles, desde Pablo Sarasate y Ricardo Viñes hasta Albéniz, Turina, Falla y Rodrigo. Analizando la relación de Debussy con España, Manuel de Falla, que recibió consejos directos del maestro francés, escribió en 1920: «… quiero ahora proclamar muy alto que si Claude Debussy se ha servido de España como base de una de las facetas más bellas de su obra, ha pagado tan generosamente que España es ahora la deudora». Tenemos aquí pues justificación de las tres obras centrales de esta primera parte del concierto. Por un lado Debussy sin conocer el país logra, a partir de simples grabados, convencer al propio Falla que era ya un gran admirador de la obra del músico impresionista por excelencia.

Las dos obras de Debussy son dos adaptaciones de sendas obras pianísticas. La primera de ellas nos acerca a una de las puertas de acceso al conjunto de palacios nazaríes donde hoy podemos encontrar una placa celebrando esta inspiración. El concepto de impresionismo en música pocas veces puede estar tan claro como en esta obra que pretende simplemente captar con una lejana inspiración el juego de luces y sombras que esta maravillosa construcción o un simple grabado de la misma le pudo sugerir al genio francés. Por su parte Soirée en Grenade nos quiere evocar un atardecer; aquí el punto de inspiración es más etéreo aun y el supuesto carácter español de la música es muy leve, aunque eso sí, aquí lo vamos a oír algo acentuado en la versión orquestal de Busser (que orquestó una buena parte la obra para piano de Debussy) que incluye incluso castañuelas forzando un aspecto que en la versión pianística está apenas sugerido.

Y la música muchas veces es un camino de ida y vuelta y es curioso como el compositor español considerado el adalid del nacionalismo español es un auténtico admirador de la obra de Debussy, no sólo de la de inspiración española sino de su obra en general. El punto de mezcla es tal que el compositor gaditano le dedica a Debussy parte de su única obra para guitarra. Y el lenguaje como veremos de nuevo en esta versión orquestal es muy similar, lejano de la inspiración folclórica directa y cercano a esa búsqueda de aromas tan propia de Debussy.

Pero como vemos,, si seguimos adelante con el programa no fueron Debussy y Falla los únicos compositores inspirados por la alhambra; hay más, bastantes más, lo que ha llevado a que se llegue a hablar de un alhambrismo sinfónico y la siguiente pieza que aparece en el programa es un nuevo ejemplo de esta influencia de la maravilla granadina. A muchos de ustedes les puede sonar Chapí, Ruperto Chapí, pero probablemente lo relacionaran y adecuadamente con el mundo de la zarzuela; en efecto este compositor compuso decenas y decenas de zarzuelas siendo uno de los grandes compositores del género y a muchos les vendrán a la cabeza títulos tan populares como La Revoltosa o la Bruja cuya famosa jota es aún muy cantada por estos lares. Pues bien aparte de zarzuela poco más compuso Chapí, algún cuarteto de cuerda y algo de música instrumental como es el caso de la suite que cierra la primera parte de este concierto. La creación de esta obra tiene una motivación muy clara y sencilla en este caso: Chapí compuso esta obra para participar en un concurso que se convocó en Granada en sus fiestas del año 1889 para la coronación del escritor José de Zorrilla. Así Chapí se inspira directamente en el poema Gnomos y Mujeres de Zorrilla. Conociendo la obra de Chapí cabría esperar algo de tono profundamente folklórico pero Chapí aquí nos demuestra que conocía perfectamente todo lo que se movía en la música europea de fin de siglo y nos presenta una obra sencilla pero efectiva. Mentiríamos si dijéramos que Chapí tuvo un gran interés en componer esta obra, más bien fueron los esfuerzos primero de Arrieta y luego de Ramos Carrión quienes decidieron a Chapí a componerla aun estando más pendiente del estreno de La Bruja en Barcelona. Chapí compuso la obra con gran facilidad en tan sólo seis días y esa facilidad, fruto sin duda de un gran oficio fue achacada a nuestro compositor por el jurado que no premió la obra, quedando el premio desierto. No obstante en 1891 la obra fue estrenada en el Teatro Real de Madrid con bastante éxito y la facilidad de la que se habló antes ahora se decía que era naturalidad. Es curioso porque al oír hoy la pieza no encontramos excesos folklóricos por ningún sitio sino que podemos encontrar por ejemplo en el primer movimiento ciertas similitudes con lo que Grieg estaba haciendo en la otra punta de Europa, y desde luego hay inspiración en El Sueño de Una Noche de Verano de Mendelssohn e incluso una mirada al mundo fantástico que tanto atraía a la música germánica en este momento. Y desde luego la prueba definitiva de que Chapí conoce todo lo que se movía en Europa es el uso del Leit Motiv, de un motivo de cinco notas (Do MI Sol Do Do) sobre el grito Gloria a la Alhambra. En resumen toda una sorpresa esta obra de Chapí que pese a todas estas influencias en ningún momento deja de sonarnos tremendamente fresca.

Y cerrará este bloque de obras de carácter orientalizante nada menos que una obra orientalizante del padre de la “ópera nacional vasca” Usandizaga es conocido sobre todo por su aproximación a la creación de una escuela musical y más concretamente operística netamente vasca. Todo nacionalismo tiene un momento fundacional, un momento en que se decide solidificar y aunar raíces para crear ese constructo que son las identidades nacionales y Usandizaga, niño prodigio que falleció pronto se vio inmerso en el momento en que se decidió crear un corpus de óperas vascas. ¿Usandizaga compositor vasco? Si, sin duda y profundamente, pero añadiremos algunos apuntes que nos ayudarán a ver como nunca se puede cerrar tanto una identidad al menos musicalmente hablando. Por un lado hay que decir que Usandizaga no quiso en ningún momento ser ajeno a toda la cantidad de música lírica que se estaba componiendo en España en este momento; así su gran éxito, Las Golondrinas,  no deja de ser algo tan profundamente español como una zarzuela aunque sea evidentemente de ambientación vasca. Por otro lado hay que decir que Usandizaga era un tipo de vasco especial y más en ese momento, Usandizaga era donostiarra y vivió la Donosti que quería otra Biarritz con todo su glamour, con la presencia de la familia real y con todo el carácter europeo y decadente que todo ello conllevaba. Y por si todo ello fuera poco Usandizaga estudió en país, y no pudo por lo tanto estar ajeno a como la música europea ardía en multitud de propuestas que en ese momento no estaba claro donde iban a ir. Concluyendo, ¿Usandizaga compositor nacional vasco? Si claramente, pero por encima de todo músico y en música (al menos en la música sinfónica que hoy nos ocupa) no existen las identidades musicales territoriales cerradas. Y la mejor prueba de nuestra argumentación es la pieza que cierra este bloque de autores inspirados en motivos hispano-arabizantes. Hassan y Melilah es una breve fantasía de carácter claramente orientalizante si pero sin ningún motivo folklórico concreto, un puro ejercicio compositivo libre… como vemos lo que decimos no queda tan lejos de lo que afirmábamos de Debussy.

-. AMICI MUSICAE, UN GRAN CORO EN UN GRAN MOMENTO.

Y a partir de ahí el concierto da un giro importante pero progresivo… Seguiremos con un compositor francés de finales del XIX pero aquí se incorpora al concierto algo que ya no nos abandonará y que merece que hagamos una pausa en el camino y es que esta pieza incorpora al coro y en nuestro concierto dominical este papel lo ocupará el Coro Amici Musicae del Auditorio de Zaragoza.

Y como no, debemos dedicar unas líneas en este blog a hablar de ellos. Amici Musicae terminó la pasada temporada con el tremendo esfuerzo de cantar en pocas semanas el Requiem de Mozart en gira junto al gran Neville Marriner y hacer frente a las tres funciones de Il Trovatore de Verdi que se dieron en la sala Mozart. Pues bien este año aún tienen más trabajo por delante… el reto que tiene Amici Musicae es tremendo ya que aparecen nada menos que en 4 de los programas de este ciclo de Introducción a la Música. Tenemos que recordar que se trata de un coro que a pesar de su trabajo y dedicación no está formado por cantantes profesionales y que todos los cantores deben dedicar una buena parte de su tiempo libre a preparar estos compromisos. Sabemos que siempre han estado a la altura y esto les ha hecho cantar junto a directores como Neville Marriner, con quien volverán a cantar en este ciclo, Zubin Metha o Valeri Gergiev obras como la Sinfonías de Mahler, pero esto no nos debe de hacer olvidar que son un tremendo lujo que tenemos en este auditorio por su dedicación y su alto nivel.

Y lo primero que nos cantarán los Amici con la Jonde es una pieza que han cantado ya varias veces y que aquí podemos verles cantando junto a la Orquesta de Cadaqués y Neville Marriner con quienes pronto nos volverán a visitar dentro de este mismo ciclo:

https://www.youtube.com/watch?v=GXar7iwSlYc

-. FAURÉ Y LA OTRA CARA DEL IMPRESIONISMO.

Gabriel Fauré  es uno de los grandes compositores franceses de la segunda mitad del XIX que entra además en el XX y que es capaz de comenzar componiendo dentro del romanticismo y de la estética wagneriana fue un compositor, para sumarse posteriormente a la corriente impresionista en la línea de la música francesa, alcanzando una gran finura melódica y equilibrio compositivo, sin duda la Pavana que se escucha en este concierto es una de las obras más conocidas del compositor junto a su Requiem ambas obras tienen una cierta inspiración religiosa ajena a cualquier dramatismo y han sido muy utilizadas en cine y publicidad.

Pero ¿Qué es una pavana?  Esta en concreto, el Opus 50 es una obra compuesta para orquesta y coro por Gabriel Fauré en 1887. La pavana es aquí un ritmo que podría ser calificado de  procesional, de tempo lento y que proviene de una danza cortesana española del siglo XVI. Se piensa que la Pavana española puede haber sido creada por Hernán Cortés, a su regreso de México, y era bailada por los caballeros en sus armaduras y las damas vestidas con sus mantos. La danza aparece mencionada en manuales de la época en Inglaterra, Francia e Italia (se dice que el nombre original podría ser “Padovana” de Padua, Italia)… Por extensión, el término pavana se aplica también a la música que acompaña a la danza, contrapuesto de alguna manera a la más vivaz gallarda. La música de la Pavana sobrevivió cientos de años después que la danza en sí misma había sido abandonada, por ejemplo en la forma de tombeau. En la corte de Luis XIV, donde las danzas ocupaban un papel fundamental como música de corte, fue una danza muy popular que progresivamente fue sustituida por la Courante. Una danza emparentada con la primitiva pavana pero de movimientos algo más ligeros era el Passamezzo, en muchos casos nombrado como Pavana-Passamezzo. Las obras musicales modernas tituladas “Pavana” presentan a menudo un modo arcaico, muy simple,  deliberado, como por ejemplo la Pavana que nos ocupa hoy o la “Pavana para una infanta difunta” de Maurice Ravel (1899).

Pero más allá de las reminiscencias antiguas la armonía y la melodía de la Pavana de Fauré están imbuidas por la Belle Époque y el impresionismo. Los usos posteriores de esta música, cuya melodía cantada en principio por la flauta nos suena muy familiar a muchos melómanos, han sido innumerables siendo la primera vez cuando se utilizó esta música por los famosos Ballets rusos en 1917 en un espectáculo llamado “Las Meninas y los jardines de Aranjuez”. El texto es de Robert de Montesquiou-Fezensac :

C’est Lindor! c’est Tircis!

et c’est tous nos vainqueurs!

C’est Myrtil! c’est Lydé! Les reines de nos coeurs!

Comme ils sont provocants,

comme ils sont fiers toujours!

Comme on ose régner sur nos sorts

et nos jours!

Faites attention! Observez la mesure!

O la mortelle injure!

La cadence est moins lente!

Et la chute plus sûr!

Nous rabattrons bien leurs caquets!

Nous serons bientôt leurs laquais!

Qu’ils sont laids! Chers minois!

Qu’ils sont fols! Airs coquets!

Et c’est toujours de même! Et c’est ainsi

toujours!

On s’adore! On se hait!

On maudit ses amours!

Adieu, Myrtil! Eglé! Chloé! Demons moqueurs!

Adieu donc et bons jours

aux tyrans de nos coeurs!

 

EN CASTELLANO

Es Lindor! es Tircis!

y todos nuestros conquistadores!

Es Myrtil! es Lyde! las reinas de nuestros corazones!

¡Cómo son provocativas,

como siempre orgullosas!

¡Cómo se atreven a reinar sobre nuestros destinos

y nuestras vidas!

¡Cuidado! ¡Manténgase a raya!

¡O la herida mortal!

La cadencia es más lenta!

Y la caída más segura!

Vamos a bajar el tono de su charla!

Pronto vamos a ser sus lacayos!

¡Son tan feas! ¡Estas dulces caritas!

¡Son tan alocadas! ¡Esos aires coquetos!

¡Y siempre es lo mismo! ¡Y siempre será así!

¡Nos encantan! ¡Las odiamos!

¡Hablan mal de sus amores!

Adiós, Myrtil! Eglé! Chloe! ¡Búrlense de los demonios!

¡Adiós y buenos días

a las tiranas de nuestros corazones!

 

-. EL GRAN ENSAYO DE BEETHOVEN.

Y el concierto llega a su gran final con lo que me atrevo a llamar “el ensayo más bello jamás escrito en música” La Fantasía para piano coro y orquesta Opus 80 de Ludwig Van Beethoven. Lo llamo el ensayo sabiendo que es incorrecto a propósito ya que se ha dicho que esta obra suponía una especie de avance o ensayo sobre lo que luego será la inmensa novena sinfonía. Por cierto, en este XXXIII Ciclo de Introducción a la Música vamos a tener la oportunidad de oír las dos obras en menos de un mes y así poderlas comparar y disfrutar en conjunto.

Lo que sí que podemos afirmar sin duda es que por su orgánico (conjunto de intérpretes)  y no sólo por ello, la Fantasía para piano, orquesta y coro en Do menor, Op. 80, es una de las obras más singulares de Ludwig van Beethoven. Su estrenó  tuvo lugar en un concierto bien peculiar visto con la perspectiva actual, el 22 de diciembre de 1808, ya que  incluyó además de la obra que nos ocupa el estreno de la Quinta y la Sexta sinfonías, el Concierto para piano nº 4 Op. 58, el aria Ah, pérfido! y tres movimientos de la Misa latina en sol bemol Op. 86.

Y no sólo es curioso el estreno por la inmensa cantidad de obras que incluyo el concierto sino porque al parecer fue tan solo tres semanas antes del estreno cuando Beethoven consideró darle un final más espectacular a esta obra fue entonces cuando compuso la parte del coro. Al parecer, la pieza completa fue escrita en muy poco tiempo; pero la introducción, sólo de piano, no estaba todavía en papel para el estreno, sino que Beethoven la improvisó.

Al parecer el día del estreno no todo estaba tan preparado como debía y son numerosas las anécdotas más o menos ciertas que se cuentan sobre este día, en todo caso, parece ser que el resultado del concierto fue más bien desastroso y Beethoven no volvió a aparecer más como intérprete de piano en público. Eso sí, enseguida la obra se fue ganando el favor del público y es una obra muy agradecida tanto para el coro como para la orquesta y el piano.

La Fantasía comienza con una introducción de 26 compases de tempo lento pero no sencilla de tocar para el piano, que modula de Do menor a Do mayor y regresa a la primera. La parte principal de la obra, marcada “Finale”, comienza con un tema en Allegro tocado por los cellos y los contrabajos. Después , el piano solo introduce el tema coral en una versión ornamentada. Variaciones sobre el tema son entonces tocadas por las flautas, oboes, clarinetes y las cuerdas solistas, respectivamente. Una versión del tema con toda la orquesta, tocada en forte lleva a una parte de piano más lírica.

La orquesta acompaña a un parte del piano que toca semicorcheas mientras la obra va modulando de nuevo al triunfal tono mayor. Una sección calmada y fluida en La mayor, lleva a una una variación en Fa mayor del tema principal al estilo de marcha. Una repetición del tema instrumental del primer allegro es una transición a la entrada coral.

El coro entra con las sopranos y contraltos solistas cantando el tema principal a ellas se unen Los tenores y bajos  solistas entonando el inicio del tema, y después al coro se le une la orquesta en un tutti. Una coda en presto con orquesta, coro y piano da final a la obra.

El texto parece ser del poeta Christoph Kuffner  pero desde luego enlaza con la propia filosofía beethoveniana:

Schmeichelnd hold und lieblich klingen

unsers Lebens Harmonien,

und dem Schönheitssinn entschwingen

Blumen sich, die ewig blüh’n.

Fried und Freude gleiten freundlich

wie der Wellen Wechselspiel;

was sich drängte rauh und feindlich,

ordnet sich zu Hochgefühl.

Wenn der Töne Zauber walten

und des Wortes Weihe spricht,

muss sich Herrliches gestalten,

Nacht und Stürme werden Licht,

äuß’re Ruhe, inn’re Wonne,

herrschen für den Glücklichen

Doch der Künste Frühlingssonne

lässt aus beiden Licht entsteh’n.

Großes, das ins Herz gedrungen,

blüht dann neu und schön empor,

hat ein Geist sich aufgeschwungen,

hallt ihm stets ein Geisterchor.

Nehmt denn hin, ihr schönen Seelen,

froh die Gaben schöner Kunst.

Wenn sich Lieb und Kraft vermählen,

lohnt dem Menschen Göttergunst.

En Castellano:

Con gracia y dulzura resuenan

las armonías de nuestra vida

y el sentido de la belleza engendra

flores que eternamente florecen.

La paz y la alegría avanzan cual amigas

como el juego alternante de la olas;

y lo que insistía en ser rudo y hostil

entra a formar parte de lo sublime.

Cuando en los tonos reina la magia

y en las palabras la inspiración

se configura lo maravilloso,

noche y tempestad se vuelven luz.

Calma exterior y alegría interior

priman para el bienaventurado;

y el sol primaveral de las artes

permite que de ambas nazca luz.

Algo grande contenido en el pecho

florece de nuevo en toda su belleza;

si un espíritu se ha encumbrado

todo un coro de espíritus resuena siempre a su alrededor.

Aceptad, pues, almas bellas,

alegremente los dones del buen arte.

Cuando se unen el amor y la fuerza

el favor de los dioses al hombre recompensa

 

Sin duda la experiencia de oír las dos grandes obras corales de Beethoven en poco tiempo se da pocas veces y estas semanas en Zaragoza vamos a tener ese privilegio. Toca disfrutarlo. Y como muestra un botón con el gran Lang Lang que en octubre visitará de nuevo nuestro auditorio para participar en el Ciclo de Grandes Intérpretes Pilar Bayona.

https://www.youtube.com/watch?v=qZSEuQ1GKOE

Anuncios

2 Respuestas a “LA MÚSICA, LO LOCAL Y LO UNIVERSAL

  1. Mi felicitación a la JOnde, y al nacimiento de este Blog.
    Espero ser asiduo visitante, como lo soy a los ciclos de nuestro magnífico Auditorio
    Gracias y adelante!

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s